sábado, 26 de noviembre de 2011

Luis Baylón, fotógrafo de calle



Entrevista en la TV, espacio Miradas 2, (minutos 0 al 4:30; del 11:44 al 19:00 y del 24:25 al 25:59).

Y para el que quiera conocerlo un poco más Luis Baylón cara a cara con Jerónimo Álvarez:
(el enlace a la entrevista en la imagen) 


"Normalmente mis producciones fotográficas no son premeditadas, sino que proceden de anécdotas. Imagínate que alguien ha ido dejando por ahí tiradas las piezas de un puzzle; pues de pronto, yo veo varias juntas y las uno. Encuentro algo curioso y decido hacerle una foto o un reportaje entero". Luis Baylón.

miércoles, 23 de noviembre de 2011

"De lo espiritual en el arte" de Wassily Kandinsky

















Los capítulos IV sobre "Los efectos del color" y V "El lenguaje de las formas y los colores" forman parte del libro "De lo Espiritual en el Arte" del pintor ruso Wassily Vasílievich Kandinsky.
Kandinsky fue el precursor de la abstracción en la pintura y teórico de arte, como se ha podido comprobar de la lectura del texto. 


"De lo Espiritual en el Arte", se escribe en una nueva época de gran espiritualidad. En este texto el autor expone que el arte nuevo debe basarse en un lenguaje de color, da las pautas sobre las propiedades emocionales de cada tono y de cada color, a diferencia de teorías sobre el color más antiguas, él no se interesa por el espectro sino sólo en la respuesta del alma.


El autor nos hace muestra que un autor, un creador tiene distintas formas de componer una obra jugando con las formas y con los colores. Nos deja claro dos principios básicos, la distinción entre artistas que crean para gustar a los demás, viviendo una fama efímera, y los artistas que expresan sus sentimientos más profundos, aquellos en los que su obra será comprendida por un público futuro, ya que la sensibilidad de estos, el contexto en el que viven sus coetáneos no permite comprender la obra. Así mismo, nos muestra como los colores son los moduladores de sentimientos más profundos, con efectos físicos y psicológicos, enseñándonos  a asociar la tonalidad, brillo y textura de un color con sonidos y cómo hacer que los colores queden armónicos en la obra que se realice.


Destaco del texto:


"La sumisión a la escuela, la búsqueda de la línea general, la exigencia en una obra de principios y de medios de expresión propios de la época, conducen por falsos derroteros, y necesariamente desembocan en la confusión, la oscuridad y el enmudecimiento".


Los ojos del arista "deben dirigirse hacia su vida interior y su oído prestar únicamente atención a la necesidad interior. Entonces sabrá utilizar con la misma facilidad tanto los medios permitidos como los prohibidos".


También apunta algo muy importante: "Lo artísticamente verdadero sólo se alcanza por la intuición, y más aun cuando se inicia un camino".


Termino con otras referencias del libro "Principios Universales del diseño" que en el capítulo dedicado al "color" indica que su función (como sabemos) es la de atraer la atención, agrupar elementos, indicar significados y realzar la estética. Un buen tratado actual sobre la teoría de color es "La interacción del color" de Josef Albers (2003); para un tratamiento más aplicado "The Art of Color: The Subjective Experience and Objective Rationale of Color", de Johannes Itten, John Wiley & Sons (1997); y para los que estén más en la línea de Kandinsky (incluido poder ganar partidos de fútbol) véase "El poder del color" de Morton Walker (1998).

sábado, 19 de noviembre de 2011

Retrato II









La cámara lúcida por Roland Barthes



"¿No estamos enamorados de ciertas fotos?", Roland Barthes.

El autor es uno de los grandes ensayistas franceses del siglo XX, además de crítico y semiólogo. "Camera Lúcida" es una de sus últimas obras, diferencia dos partes en una imagen fotográfica: el "punctum" y el "studium"

El "studium" tiene que ver con la cultura y el gusto, muchas fotografías estarán bien construidas pero les faltará algo. Es algo que percibo en función de mis saberes, por ejemplo al reconocer un lugar. Puede interesarme una fotografía, incluso “a veces emocionarme, pero con una emoción impulsada racionalmente, por una cultura moral y política”. “Muchas fotografías permanecen inertes bajo mi mirada. Pero incluso entre aquellas que poseen alguna clase de existencia ante mis ojos, la mayoría tan sólo provocan un interés general. Me complacen o no pero no me marcan”. “La fotografía puede gritar pero nunca herir”. “No hay ningún punctum”.

El "punctum" sería en cambio ese elemento que emociona al espectador, que lo sacude en su interior, que toca sus recuerdos, que nos atrapa y muchas veces sin saber por qué, no siendo sino con el paso del tiempo cuando nos damos de cuenta de por qué nos atraía esa imagen. Parafraseando al autor "gracias a la marca de algo la foto deja de ser cualquiera". Además, la visión directa de la imagen puede hacernos nublar el conocimiento. "Para ver una foto más vale levantar la cabeza o cerrar los ojos". Cerrar los ojos se convierte así, paradójicamente, en el medio por el cual vemos la fotografía, es la forma por la cual terminamos de entenderla.

El "puntum" es algo personal, "es lo que añado a la foto y que sin embargo está ya en ella", es algo invisible para muchos y evidente para unos pocos. Jugando con sus palabras, es la parte erótica de la imagen, aquella que se pone en contacto con nuestros deseos.

martes, 15 de noviembre de 2011

Retrato I

El retrato expresión por excelencia de lo humano.








Laberintos corporales en la obra de Ana Mendieta




Texto: http://www.ucm.es/info/especulo/numero33/laberint.html


Ana Mendieta fue una artista multidisciplinar, la cual empleo diferentes formas de expresar su complejo mundo interior: performances, body art, vídeos, fotografías, dibujos, instalaciones y esculturas, es una muestra de su intensa pero corta producción.


Destacable es su producción artística Land Art o arte en la tierra. Los temas que desarrolla son el exilio, la marginación (como mujer y como hispana), la naturaleza, lo espiritual y lo femenino. Desde los inicios el cuerpo tiene una presencia destacada en la obra de Ana Mendieta, constituyendo incluso una obsesión. Su cuerpo se convierte así en una representación de la mujer víctima y como lugar sagrado.


En su serie de obras Siluetas, la creadora se centra en la naturaleza, dejando a un lado su propio cuerpo como vehículo de expresión, le interesa más la huella, el espacio ocupado antes por ella o por una idealización de la mujer, jugando con los conceptos dicotómicos de presencia y ausencia.


La prematura muerte de la artista y el carácter efímero de su obra no ha impedido que sea una de las artistas hispanas más reconocidas dentro del panorama artístico internacional.



Fotosecuencia

video

lunes, 14 de noviembre de 2011

La Escuela de Helsinki por Juan José Santos




La Escuela de Helsinki se ha convertido probablemente en la mejor de las escuelas de fotografía del mundo. No intenten encontrar un idéntico patrón en todos los artistas que la conforman salvo el haber pasado todos por las aulas de la TaiK (Taideteollinen Korkeakoulu) en la Universidad de Arte y Diseño de Helsinki.


La base del éxito es considerar la cámara como una herramienta no como el fin en si, una abertura de miras en el sistema educativo y un profundo respecto por la visión personal del alumno.


En el camino al reconocimiento no se encuentran solos, además de su talento la llamada "Gallery TaiK" les apoya en la divulgación de su obra, con sede en Berlín y clara vocación por el mundo virtual.


Entre los artistas más destacados del grupo destacan Aino Kannisto (Espoo, 1973), Riitta Päiväläinen (Maaninka, 1969), Ilkka Halso (1965), Ea Vasko (1980), Janne Lehtinen (1970), Nelli Palomäki (1981), Kalle Kataila (1978) o Tuomo Rainio (1983) entre otros muchos.


Una cierta pátina impregna a la obra de estos artistas, como es la mirada poética y una serenidad en las composiciones, con total ausencia del sentido del humor, pese a ser Finlandia uno de los países más felices del mundo.

Fotografía abstracta

La fotografía abstracta como acertijo visual o como resultado de separar lo que parece de lo que realmente es:


















Martin Parr por Martin Parr, un diálogo con Quentin Bajac




¿Ángel o demonio? Difícilmente dejará a ninguno indiferente.

Con gran capacidad para representar la pequeña "comedia humana", Martin Parr critica con humo, colores vibrantes y saturados nuestro mundo contemporáneo. Es uno de los fotógrafos más destacados de la actualidad, miembro de la agencia Magnum desde 1994, ganador de numerosos premios como Erich Salomon (2006) o Baumer Mercier (2008), sus trabajos sobre el estilo de vida de la clase media en Europa y Estados Unidos ha marcado la forma de mirar al mundo y fotografiar de muchos. Su método de trabajo preferido ha sido hacer un uso renovado de la sátira y el rasgo caricaturesco.

Podríamos decir que las "verdades" por las que siente predilección el autor son "verdades vulgares" pero verdades al fin y al cabo. Parr es también un fotógrafo locuaz, con clara tendencia a narrarse a sí mismo también en palabras, como muestra el artículo del título. En el libro "Martin Parr por Martin Parr" podemos encontrar otras referencias a su mundo y a su mirada:

"Lo kitsch no es algo que busque deliberadamente ni que reconozca. No forma parte de mi vicabulario. Es muy fácil hoy en día ser fotógrafo de cosas kitsch, así que me da la impresión de que ésa es una opinión bastante perezosa. [...] Las zonas de playa me gustan no porque sean kitsch, sino porque están llenas de energía, son brillantes y coloridas".

"Si le das al mundo historias tristes y deprimentes, nadie va a escucharte, o esa es la sensación que me da. Por eso, intento que mis fotos sean brillantes y coloridas y, con un poco de suerte, aceptablemente buenas. Porque quiero incluir a mi público en todo elllo, No quiero cabrearlo, quiero atraerlo. Y, una vez interesado, podrá leer más cosas en las fotos. Lo que no espero es que mis fotos cambien nada. Eso es mu y ingenuo. La gente solía hablar antes en esos términos, pero ya no".

"He hecho mi trabajo sin pensar a qué mercado correspondía cada obra, si al periodístico o al artístico; tratando de desarrollar siempre mis ideas fotográficas. Yo no me vendo, son mis imágenes las que se venden. [...] En una carrera profesional también hay que bregar con distribuidores, circuitos, etc. Tú y yo seguramente tendríamos bastante claro quiénes podrían lograr el reconocimiento del mundo artístico, siempre que trabajara con ellos el marchante adecuado".

Y en una entrevista reciente:

"Me gustan lugares como Benidorm. No de una forma condescendiente. Me gusta realmente el brillo y el glamour que conlleva la orilla del mar".

Efectivamente eso es lo que podemos observar en algunos de sus trabajos, la democratización de un ocio de bronceado, sombrilla, tortilla y táper.

No lugar

El "no lugar" es un término acuñado por Marc Augé para definir todos aquellos sitios de transitoriedad, en donde no hay identidad ni vínculos directos entre el que lo ocupa y el lugar en si mismo.


15/10/11


El representado destaca además por su gran belleza, siendo un lugar de tránsito entre otros recintos de mayor significancia y envergadura como son la Sacristía Mayor (primera construcción de estilo renacentista en la ciudad) y la Sala Capitular de la Catedral de Sevilla. 

Bernd y Hilla Becher: Modelos de interpretación por Horacio Fernández



Bernd e Hilla Becher son dos grandes fotógrafos alemanes que supieron ver en los objetos industriales que le rodeaban los que otros no vieron. Ambos empezaron a trabajar juntos en el año 1959.


El tema que abordan en su fotografía es el mundo de la industria pesada, en el cual los edificios y las construcciones se nos muestran de forma aislada pero con sus elementos característicos definidos por la función que deben desempeñar. Al no aparecer otras referencias, ni siquiera la humana, las construcciones se vuelven intemporales así mismo como únicas. 


Son como retratos a objetos, la persona retratada son en este caso depósitos de agua, castilletes mineros, torres de refrigeración, altos hornos o silos. Pareciera como si los autores quisieran indagar sobre el por qué del objeto representado, cual es la historia que hay detrás de cada uno de ellos, ya que la presentación en serie nos permite ver las similitudes y diferencias entre cada objeto.


Otra idea que gira en su trabajo es en la de plasmar unas construcciones industriales que están condenadas su mayoría a desaparecer por el avance de nuevos métodos de trabajo. El rigor científico con el que lo abordan es destacable, haciendo uso incluso de andamios u otros elementos para conseguir la mejor perspectivas no deformada del objeto, y con la misma intensidad de luz en cada toma, sin presencia de nubes que no añaden información.


Siempre fotografiaron en blanco y negro ya que:


"Al fotografiar en color se extrae un tono que realmente no existe. El carácter estructural se presenta mejor con el empleo del blanco y negro".


Más cercano del movimiento conceptual que del minimalista, sus "esculturas anónimas" es una invitación al espectador a la contemplación de las distintas formas y diseños y así mostrarnos una búsqueda de la esencia de los objetos.


Por último es de destacar su influencia, clara o no, en otros artistas contemporáneos tan reconocidos como Andreas Gursky, Axel Hütte, Thomas Ruff, Candida Höfer o Thomas Struth.

domingo, 13 de noviembre de 2011

Motivación del blog

La primera entrada

Este blog surge como repositorio de los trabajos (comentarios de texto e imágenes) del curso de especialización en fotografía contemporánea organizado por la Fundación Valentín de Madariaga en su II edición.

Y mi visión sobre lo que significa la fotografía y así expuse en la carta de motivación se recoge en el siguiente pensamiento palabras del fotógrafo Michael Kenna y que comparto plenamente: 

"El trabajo del fotógrafo no es la de producir decoración para las paredes y hogares de otras personas. Es un verdadero viaje del descubrimiento, y creo que es una forma auténtica de vivir la vida. Es una manera de descubrir cosas, buscar cosas, experimentar cosas...
Y estar en medio de una tormenta de nieve impresionante, y el esperar a que el sol salga de detrás de esas nubes y produzca ese rayo de luz...es bastante extraordinario. A veces sucede a veces no, pero el hecho de que puedas pasear durante dos o tres horas en raquetas de nieve, y que el tiempo cambie, y que la nieve se reduzca, y que la luz salga, y que encuentres cosas o no encuentres cosas ... es todo parte del proceso, es todo ...creo que simplemente es una manera genuina, en cierto sentido, de ir por la vida, en lugar de tratar sólo de producir y crear fotografías. No se trata por completo de eso".